Nuevo vídeo

http://www.youtube.com/watch?v=e7uxYZGPmVA

La tarea para esta semana ha sido mejorar el vídeo. He cambiado el principio, la interpretación del cuadro, ya que se trataba de una interpretación muy simple para la complejidad del cuadro. Además en los 3Ds he intentando mostrar el espacio interior del artefacto. Esto es todo.


Mar

La trucha y el torrente

Publico un texto del arquitecto finlandés Alvar Aalto que me parece que puede tener relación con la asignatura. Destacaría como idea principal el vínculo entre arquitectura y arte abstracto, cómo de algo abstracto puede surgir una idea arquitectónica, ejercicio que estamos realizando con el artefacto, el vídeo... Este es el texto:

La trucha y el torrente

Alvar Aalto, 1947

Por ser yo mismo un artista en activo, me resulta difícil escribir con naturalidad sobre las cuestiones artísticas, como lo haría un crítico o un teórico completamente externo a la profesión. Ante las creaciones de su tiempo y ante sus colegas, el hombre de oficio tampoco tiene la objetividad de un historiador del arte. Las reflexiones que siguen girarán, pues, sobre todo, en torno a mi propio trabajo.

La cuestión del vínculo entre la arquitectura y las artes liberales nunca ha dejado de estar a la orden del día. Casi siempre en forma de deseo: el de añadir a la arquitectura más escultura y pintura. Hasta se ha llegado a formular diversas propuesta en aras a coordinar estas “tres artes”…incluida, tal vez, la propuesta de reunir algo así como un “congreso de curas y médicos”.

Con mucha frecuencia, la reivindicación se ha formulado así: “¡Tendría que haber más pintura monumental en los edificios públicos!”. Lo que es curioso es que este tipo de experiencia apremiante sólo rara vez emana de artistas importantes; en la mayoría de los casos, provienen de sectores de opinión más amplio; en el mejor de los casos, se trata de iniciativas emprendidas por asociaciones artísticas o similares.

No me opongo de ninguna manera a estos deseos, ni mucho menos, El país por el que siento más atracción es Italia, tierra por excelencia de la unidad de las Bellas Artes. La noticia de la destrucción de la pequeña capilla de Mantegna en la Chiesa degli Eremitani me causó un dolor personal. Creo, sin embargo, que la cuestión de esta unidad debe plantearse a un nivel mucho más profundo. Un enfoque cuantitativo de las tres disciplinas no lleva de ningún modo al núcleo del problema.

Cuando Ernesto Rogers me pregunta sobre el vínculo entre la arquitectura y el arte abstracto (el “arte concreto”), tengo la sensación de que, por este camino, se debe poder llegar más lejos, acercarse más al punto profundo en el que se establece esta relación. En primer lugar, las formas artísticas abstractas han dado a la arquitectura de nuestro tiempo impulsos, indirectos ciertamente, pero innegables. Por su parte, la arquitectura ha aportado materiales al arte abstracto. Arquitectura y arte abstracto se han influenciado recíprocamente. Henos pues aquí: también en nuestra época las artes tienen raíces comunes y esta constatación es de gran alcance.

Personalmente, cuando tengo que resolver un problema arquitectónico, casi siempre encuentro un obstáculo difícil de superar, una especie de “valor de las tres de la madrugada”. Ello obedece creo yo, al agobio lamentable y complejo que resulta del hecho de que la proyectación arquitectónica opera con infinidad de elementos contradictorios. Exigencias sociales, humanitarias, económicas y técnicas que se añaden a los problemas sicológicos; afectan al individuo y al grupo; influyen en los choques y en los movimientos tanto de masas como de individuos; y forman con ello una maraña imposible de desenredar por medios simplemente racionales o mecánicos. El inmenso número de necesidades y de problemas se convierten en un escollo que la idea arquitectónica de base apenas puede superar. Entonces procedo - a veces de manera completamente instintiva - de la manera siguiente. Después de que la idea de mi tarea y sus innumerables imperativos han quedado bien grabados en mi subconsciente, olvido durante un tiempo la marea de problemas. Paso a un método de trabajo que se parece mucho al del arte abstracto. Dejándome llevar únicamente por el instinto, dibujo, no algunas síntesis arquitectónicas, sino a veces composiciones francamente infantiles, haciendo así que poco a poco, a partir de una base abstracta, se desprenda una idea maestra, una especie de idea general, gracias a la cual los numerosos problemas parciales contradictorios podrán ser armonizados.

Cuando proyectaba la biblioteca municipal de Viipuri (tenía mucho tiempo - ¡cinco años! – a mi disposición), pasé largos períodos ejercitando la mano, a base de gran cantidad de bocetos ingenuos. A partir de la montañas fantásticas cuyas laderas eran iluminadas por soles inclinados diversamente, la idea del edificio fue desprendiéndose poco a poco. “La caja arquitectónica” de la biblioteca está constituida por espacios de lectura y préstamo situados a diferentes niveles y rellanos, mientras que el centro y el punto de control forman, por así decirlo, la cima de esos diverso niveles. Los bocetos infantiles tienen una relación meramente indirecta con el pensamiento con el pensamiento arquitectónico, pero al menos han permitido a la sección y al plano de planta cristalizar y soldarse, gracias a ellos se ha realizado la unidad de las estructuras horizontal y vertical.

 Si evoco estas experiencias personales, no es porque quiera extraer de ellas un método. Después de todo, creo que numerosos colegas míos han conocido experiencias parecidas frente a los problemas que se han visto obligados a afrontar. Estos ejemplos tampoco tienen nada que ver con las cualidades o los defectos del resultado final. Sólo pretenden mostrar cómo llegué a esta convicción instintiva de que el arte arquitectónico y las otras artes plásticas tienen un origen común, origen más o menos abstracto, pero basado no obstante en la experiencia y conocimientos acumulados en nuestro inconsciente.

En 1933, en nuestra exposición de Londres (exposición consagrada a Aino Aalto y a mí y organizada por The Architectural Review) presentamos algunas construcciones de madera, muchas de las cuales mostraban directamente formas que habíamos utilizado en nuestros muebles, mientras que otras no eran más que experimentos en torno a las formas y al tratamiento de la madera y no presentaban ningún valor práctico ni relación razonable alguna con una utilización concreta. Un crítico de arte del Times las calificó de “expresiones de arte abstracto”. Dijo que eran “non objetive art”, pero resultante de un proceso de creación invertido. Por ello, entendía que tenían su origen en un proceso inicial de carácter práctico, incluso si el resultado final acababa siendo non objetive art”, que tal vez serían susceptibles de encontrar algún día una utilización práctica. Tal vez tuviese razón; en aquél entonces no quise protestar, ni tampoco ahora. De todos modos, quisiera añadir una opinión personal, una opinión basada en este sentimiento: la arquitectura y sus detalles pertenecen en cierto modo a la biología. Tal vez se parecen a los grandes salmones o a las truchas que no nacen adultas en la corriente donde luego vivirán, ni siquiera nacen en el mar, sino a cientos de legues de su hábitat, donde los ríos no son más que riachuelos, pequeños torrentes saltarines entre los fiordos, bajo las primeras gotas de agua que caen de los glaciares, tan lejos de su medio como lo están los sentimientos e instintos del hombre de su trabajo cotidiano.

Y de igual modo que las huevas necesitan tiempo para convertirse en peces adultos, se necesita tiempo para todo lo que, en nuestra mente, se desarrolla y cristaliza. La arquitectura tiene aún más necesidad de tiempo que tos otra forma de creación. A título de ejemplo he podido mencionar un caso personal en el cual lo que tenía visos de ser un simple juego con las formas, suscitó, como consecuencia de un largo proceso, la aparición inesperada de una forma arquitectónica con una utilidad práctica.

¿Cómo se desarrolló el capitel jónico? Su punto de partida son las formas de madera y la torsión de sus fibras bajo el efecto de la presión. Pero el capitel de mármol no imita de manera naturalista el resultado de este proceso inicial. Sus formas afinadas, refinadas, contienen rasgos humanos que el modelo inicial ignoraba.

“La primera cualidad el arte abstracto es, en mi opinión, su carácter puramente humano.” Así se expresaba en sustancia, delante de mi tablero de dibujo, un pintor checo que me visitaba. “No puedo explicarlo simplemente con palabras, pero lo siento y lo deduzco de mi experiencia”, continuó diciendo.

El arte abstracto, en lo mejor que tiene, es el resultado de un proceso de cristalización. Tal vez sea por eso por lo que, a pesar de las ideas formales y del fono de tragedia humana que oculta y contiene, no puede ser percibido más que por el sentimiento. A su manera, es capaz de de sumergirnos directamente en una corriente de sentimientos humanos que la palabra escrita no ha sabido retener. Todo esto no incumbe naturalmente a ese eterno intríngulis que constituyen las formas de las artes plásticas vulgares y comerciales.

“Entweder fühle ich oder fühle ich nicht” (O lo siento, o no lo siento) me decía el verano pasado un médico suizo, hombre que había conocido la dura escuela de las tragedias humanas. Con ello quería expresar su actitud personal hacia el arte.

Me parece que ya hemos avanzado mucho en el camino hacia la síntesis de las artes, su unidad, creo percibirla en el tejido que desde el origen, in statu nascendi, al menos superficialmente, las reúne. El hecho de que todo de que todo indique que nos encontramos en la fase inicial de este proceso, no disminuye por ello su valor. En la evolución de la cultura, todos los períodos, desde el punto de vista artístico, tienen un valor igual Desde un punto de vista humano, no podemos colocar el arte arcaico por debajo de la Acrópolis. Giotto como pintor y como arquitecto, no era inferior a sus colegas más tardíos. 

Viernes 25

Al día siguiente dedicamos la primera parte de la clase dibujar, continuando con los dibujos de Giacometti. La segunda parte la dedicaríamos a comentar los vídeos.

El proceso fue el mismo que habíamos seguido en la clase anterior, por tanto no me extenderé mucho.

El primer cuadro a realizar fue el siguiente:

Podemos distinguir una señora en un sillón y varios elementos, como una mesa con una serie de platos y vasos, un caballete y unas estanterías por detrás.

Estos fueron mis resultados:

Después dibujamos a nuestro compañero. Este es mi resultado:

Mi fallo en estos dibujos es que intento reproducir demasiado la realidad, en vez de fijarme en el ambiente, en las formas, me centro mucho en los detalles. Intentaré corregir este fallo en los próximos dibujos.

La siguiente parte de la clase la dedicamos a comentar los videos. En general, se notaba el esfuerzo realizado, pero había fallos. En primer lugar, simplificábamos demasiado el proceso que seguíamos para hacer la maqueta, y   además, los 3Ds que habíamos hecho estaban visto solamente desde fuera. No penetrábamos dentro del espacio. 

Esto fue todo.

Mar

Jueves 24 de noviembre

En nuestra siguiente clase continuamos dibujando con pentel, sobre papel blanco formato A2. Se trataba de "reproducir" (sin copiar, basándose en el proceso) varias obras de Giacometti. 

En primer lugar, tuvimos que dibujar basándonos en esta obra:

Podemos apreciar una señora, alrededor de la cual se encuentran una serie de personas. El proceso seguido es el siguiente: comencé dibujando la señora, figura que considero más importante, y continuando con la misma línea, seguí dibujando los personajes situados alrededor. Éste fue mi resultado:

El siguiente cuadro sobre el que trabajamos es éste:

Giacometti, se había basado a su vez en este cuadro:

Una vez distinguidos los elementos principales comencé a dibujar, el resultado fue:

Por último, trabajamos sobre un retrato, también de Giacometti, en el que tenían especial importancia los ojos. Este es el cuadro sobre el cual trabajamos:

Este es mi dibujo:

El resultado de este ejercicio fue bastante malo. En primer lugar, me centré demasiado en la cara (considerando la parte más importante) y me despreocupé por el resto, mientras que Giacometti se caracteriza por llevar a la vez tanto el personaje como el ambiente.

Para finalizar este último ejercicio dibujamos a un compañero. Mi resultado es bastante malo, por las razones que he comentado en el dibujo anterior. Este es mi dibujo:

Esto fue todo por hoy, espero que os haya gustado.

Un saludo

Mar

Habitar un dibujo

http://www.youtube.com/watch?v=T1Df3Rmaeo8

Adjunto el vídeo del último trabajo.

Un saludo

Viernes 18 de noviembre

La clase siguiente comenzó con un esquema teórico del proceso creativo que podemos resumir como:

VIDA COTIDIANA  -->  MUNDO DEL CRÍTICO --> MUNDO DE LA CREACIÓN --> VIDA COTIDIANA

La vida cotidiana es el mundo de la certidumbre. Este mundo lo abandonamos mediante una serie de factores que surgen cuando las cosas dejan de funcionar como pueden ser la sorpresa, la rabia, la frustración... El siguiente estadio que alcanzamos es el mundo del crítico. El siguiente estadio es el mundo de la creación en el que tanteamos. En el mundo de la creación lo que hacemos es desdibujar (algo que ya existe) para reedibujarlo. Finalmente todos los objetos de partida vuelven otra vez a la vida cotidiana pero mejorados. Ante esto una aclaración : la única energía que pone en marcha el proceso de la creación es la NECESIDAD, es decir, solo cuando las cosas no funcionan bien decidimos crear otras.

Con todo esto llegamos a la conclusión de que nosotros en nuestro ejercicio no partíamos del mundo de la vida cotidiana, ya que partíamos de un cuadro (y los cuadros no tienen uso) que está en un mundo paralelo. Las obras de arte están en el borde de este mundo cotidiano, son el sinsentido de este mundo.

Por tanto no podemos seguir el proceso habitual de creación. Partimos de un cuadro, que es una imagen fantasmática, es decir, una imagen abierta. Hemos dado un salto de las dos dimensiones a las tres dimensiones. Pero aún no hemos acabado, ya que no hemos cerrado el sistema, es decir, no hemos llegado al mundo cotidiano.

El fin del ejercicio será darle a nuestro artefacto carácter arquitectónico, mediante planos horizontales donde se pueda desarrollar la actividad humana.

Con esto finalizaba la explicación del trabajo a realizar la semana siguiente, un vídeo.

A continuación, los profesores expusieron el enunciado de hoy: tendríamos que realizar dibujos de apunte, en formato A1 con pentel. Crearíamos una madeja de líneas sobre un papel opaco que luego trasladaríamos(las más importantes) a un papel de croquis. El modelo a elegir sería cualquiera que encontráramos en la clase. Este fue mi resultado:

Jueves 17 de noviembre

En esta clase llevamos a cabo la entrega y "corrección" o "crítica" de los artefactos tridimensionales que habíamos elaborado, así como de las fotos de los mismos. 
Llegamos a una conclusión: la principal carencia de los artefactos era de planos horizontales. Habían experimentado una mejora respecto de la semana anterior(se habían geometrizado), pero fallaban en el pensamiento arquitectónico, ya que la actividad humana se desarrolla en planos horizontales.
En cuanto a las fotos debían de sugerir un espacio, no ser nunca muy figurativas.


En esta clase los profesores nos propusieron también el siguiente trabajo a realizar que sería un vídeo en el que se mostrase el espacio que habíamos creado con el artefacto de un modo fantasmagórico. Nos enseñaron algunos ejemplos del año anterior en los que más destacaba, en mi opinión, era la música elegida, que era principalmente ruido.


La clase la dedicamos completamente a realizar una crítica de los artefactos y a explicar el nuevo trabajo por lo que no hicimos nada práctico.


A continuación, adjunto unas fotos de mi artefacto tridimensional:


El método seguido es el siguiente: partimos de cuatro zonas que están unidas entre sí dos a dos de este modo:

A esta estructura se le añaden planos traslucidos en las zonas que convenga, de modo que el espacio creado no tenga ningún carácter figurativo. Las superficies traslucidas no evocan ningún material en concreto.


Este fue el resultado:

Me despido,


Un saludo,


Mar

Una semana más

El viernes 11 tuvimos una nueva clase de DAI. El objetivo de esta clase fue el mismo que el mismo que el de la clase anterior. Tendríamos que utilizar la clase como una cantera de formas para hacer un dibujo del que pudieramos elaborar un artefacto tridimensional, con una novedad: nuestros dibujos se presentarían a un concurso organizado por la ETSAM.

Rapidamente nos dispusimos a hacer un dibujo de apunte y una vez realizado comenzamos a dibujar. Ésta vez, el formato del papel sería un A1. Mientras dibujábamos los profesores nos insistían mucho en lo principal: el dibujo debía ser abstracto y geométrico, no debían reconocerse figuras. Además, debíamos utilizar constantemente el frotado para obtener estas sensaciones del inicio de un espacio.

En cuando a mi dibujo, el principal problema era que no conseguía unir las dos partes en las que estaba divido mediante una forma central. Finalmente, conecté los elementos de las dos partes y mi resultado fue éste:

Me despido

Mar

Creación de artefactos tridimensionales complejos

El jueves 10 de noviembre se llevó a cabo la recogida de la tarea del fin de semana: teníamos que crear un artefacto tridimensional a partir del collage que habíamos hecho. Con las maquetas de todos los alumnos expuestas encima de las mesas realizamos una valoración. En general, tenían un fallo: las maquetas debían tener un espacio interior complejo, y en su mayoría, representaban solo el exterior de un espacio. Además no debían tener base, ya que impedía la exploración del artefacto por todas partes.
Con esta explicación, me doy cuenta de los fallos de mi maqueta. En primer lugar, consta de base, por lo que no se puede explorar por todos los frentes. Además, el espacio creado no es complejo. Mi intención era que al observar la maqueta, el observador se sintiera dentro del espacio creado, pero que no conseguí. Aquí están las fotos de mi maqueta:

Después los profesores nos enseñaron cual iba a ser nuestra meta en el curso, que sería crear un video en donde se insinuase el espacio que habíamos creado (con la maqueta). Para ello, nos enseñaron fotos de artefactos que habían construido alumnos del año pasado, así como algunos videos. Todos tenían en común que se trataban de espacios muy complejos donde lo importante era el espacio interior, la arquitectura como cobijo antes que escultura. En los videos, lo más destacable, era que los espacios no eran reconocidos fácilmente, sino que se mostraban insinuados, desde el ámbito de la sugerencia. Nos encontramos en este punto en el primer momento de la creación de un espacio, por tanto, éstos deben mostrarse sin ninguna claridad, solamente insinuados.

Después de esta explicación teórica los profesores nos introdujeron el trabajo de la clase. Tendríamos que elaborar un dibujo a partir de un modelo de la clase (en alguna zona de luces y sombras muy fuertes) con el cual fuera posible realizar un artefacto tridimensional. El formato del papel sería el mismo que en las clases anteriores, y dibujaríamos con barra chunky blanca y negra sobre papel negro. Primero realizamos un dibujo de apunte de lo que íbamos a dibujar para disponernos a dibujar en el caballete a continuación. Éste ejercicio me parece fundamental para la creación de las maquetas. Ya que, en mi opinión, es más fácil su elaboración a partir de un dibujo nuestro.

El resultado de esta clase fue:

Ésto fue todo por hoy,
Un saludo,

Mar

Viernes 4 de noviembre

En la siguiente clase el profesor P. Burgaleta nos hizo una introducción de lo que serían las clase a partir de ahora. 
Utilizaríamos la clase como una cantera de formas, viéndola de dos maneras: con la poética de la oscuridad (trabajar con la luz apagada y ver las formas abstractas, figuras fantasmagóricas, luces muy fuertes junto a sombras muy fuertes también) y con la poética de la transparencia( como modo de conducir a la arquitectura en un intento de ver las cosas de un modo transparente para comprenderlas mejor).
El arquitecto tiene que ser capaz de ver el mundo como si fuera un niño que se sorprende con lo que ve.
A continuación los profesores nos proyectaron una serie de dibujos realizados por alumos del año pasado. Lo característico de estos dibujos es que cada alumno veía la clase de un modo propio, no con la típica visión del mundo figurativa.
Nos contaron también los objetivos del próximo cuatrimestre, en el que abordaríamos el cubismo. También trabajaríamos como Giacometti (conocido por sus esculturas pero del que nos interesan sus dibujos caracterizados por la transparencia y las relaciones entre todos sus elementos).

Además, tendríamos que realizar para el próximo jueves una maqueta del collage que habíamos hecho.

Después de ésta clase de teoría los profesores colocaron luces en algunos puntos de la clase y apagaron las luces.
Nuestra primera tarea sería realizar un dibujo de apunte, dibujando una zona de la clase (de una manera abstracta) que nos pareciera apropiada para hacer el cuadro después. 
Rápidamente comenzamos a dibujar situados en el lugar donde habíamos hecho el dibujo previo. Cuando estaba acabando la clase el profesor nos dijo que diéramos la vuelta al cuadro y siguíeramos dibujando, para alejarnos así de cualquier elemento figurativo. Mi resultado de la clase fue éste:

Sin más, me despido

Mar

Luces y sombras

El jueves 3 de noviembre comenzamos una nueva semana en DAI, y con ello un cambio de actividad. 
A partir de ahora, íbamos a dedicar una parte del curso a crear ambientes. La actividad consistía en adoptar la misma situación mental y física a la que habíamos llegado el día anterior pero el modelo a dibujar sería libre. Para ello, tendríamos que dibujar sin prisas, soportando la incertidubre, usando el trapo continuamente, llevar tofo el dibujo a la vez... cosas que ya habíamos aprendido en clases anteriores.
Con esta nueva actividad tendríamos que entender el mundo de una manera abstracta y dibujar dibujos abstractos con un modelo real, algo que, en mi opinión, no carece de dificultad. Para ello eligiríamos un lugar de la clase con luces muy fuertes y sombras muy fuertes (que habían surgido de colocar unos focos de luz arbitrariamente y apagar las luces principales). Además, tendríamos que elegir el encuadre que íbamos a utilizar.
Con esta explicación nos pusimos a dibujar.

También entregamos un collage del cuadro que habíamos hecho en la clase anterior. Éste es mi collage:

Y con ésto me despido.
Un saludo.

Mar

Viernes 28 de octubre

Hoy sí, finalizamos esta primera etapa del curso: la exploración del papel. El objetivo de esta clase fue el mismo de la clase anterior.
Con el modelo del cuadro, unas cuantas hojas negras, barra chunky blanca y un trapo nos pusimos a trabajar.
Mi resultado fue peor del esperado, ya que no me encontraba en las mejores condiciones.

 Además, tendríamos que hacer un trabajo para el fin de semana que se trataba de un collage de uno de los dos cuadros que habíamos hecho.
Y con esto acabamos la clase.

Mar

27/10/11

Nueva semana, y aunque el plan era cambiar de actividad seguimos con la primera actividad propuesta en el curso: tantear para crear espacios. La semana anterior no habíamos logrado el objetivo de las clases por lo tanto emplearíamos esta semana en la misma actividad.
Los profesores nos repartieron unas fotocopias en las que se encontraban los dos cuadros que ibamos a tratar de realizar, así como unos trazados de las líneas importantes para ayudarnos con su realización.
Con toda esta ayuda, comencé con el trazado de las líneas principales y fui creando superficies mediante el difuminado de barra chunky blanca (sobre papel negro). La primera operación fue ésta:

A esta primera operación le fui añadiendo elementos y jugando con el claroscuro hasta llegar al resultado final:

Ésto fue todo por hoy, me despido.

Mar