Habitar un lugar excavado y cubierto. Entrega final

Adjunto el vídeo del último trabajo del curso.

http://www.youtube.com/watch?v=EV0LMq4I4no&feature=youtu.be

elaboración de un parque espacial

Esta semana he llevado a cabo la modelación de un terreno excavado y una cubierta que formarían un parque espacial concebido para cualquier uso.

En cuando al terreno he partido del siguiente cuadro:

He trabajado sobre la imagen convirtiéndola en blancos y negros, en los que el blanco corresponde a las zonas más elevadas mientras que el negro a las zonas más bajas. Éste es (en rasgos generales) el proceso seguido:

 

En esta imágen he tenido en cuenta que el centro de los círculos corresponde con las zonas más elevadas mientras que cuanto más nos alejamos nos encontraremos con partes más bajas. La comunicación entre estos espacios elevados es posible mediante varias rampas.


Mediante esta imagen he modelado con Rhinoceros el suelo. Este es el resultado:

planta

sección longitudinal

sección longitudinal

sección longitudinal

sección transversal

sección transversal

imágenes desde el interior

En cuanto a la cubierta me he basado en este cuadro:

He intentado plasmar en la cubierta la idea de dos mitades simétricas, sólo con cambio de color separadas por una zona central. Éste es mi resutado:

vista superior

vista inferior

   distintos detalles y forma de comportase ante la luz

Ésto es todo.

Mar

1 y 2 de diciembre

La clase del jueves 1 de diciembre comenzó con una introducción teórica sobre el dibujo de apunte. En resumen podría decir que el dibujo de apunte es un dibujo rápido, que se realiza en situaciones incómodas, en el cual pretendemos captar un sentimiento, a diferencia de como captaría la situación una cámara de fotos. Mediante el dibujo de apunte establecemos un vínculo con el lugar que estamos dibujando, recordamos sentimientos que solo nosotros(por ser los autores) podemos sentir.

En la clase de día 1 continuamos con Giacometti. Estos son los dibujos que hice:

 Los cuatro primeros dibujos están realizados en tiempos diferentes. La explicación de esto es que el dibujo debía estar acabado en todo momento, es decir, estaría más o menos definido dependiendo del tiempo pero el dibujo debía ser llevado por igual en todas sus partes. Así podemos observar que el tercer dibujo es en el que menos tiempo he invertido.

El último dibujo es en el que más tiempo he invertido y por tanto tiene mayor grado de definición.

En la última parte de la clase vimos varios vídeos de los alumnos.

El viernes 6 continuamos con esta tarea pero con una diferencia, utilizaríamos el pentel con lejía para borrar la tinta. Así estaríamos desdibujando, volviendo al trazado más elemental del cuadro. Éste fue mi resultado:

Por último los profesores nos expusieron el último trabajo del curso, que sería elaborar un "parque espacial". Estaría compuesto por un terreno excavado y una cubierta que se basarían en dos cuadros propuestos. 

Esto ha sido todo por esta semana, un saludo

Mar

Nuevo vídeo

http://www.youtube.com/watch?v=e7uxYZGPmVA

La tarea para esta semana ha sido mejorar el vídeo. He cambiado el principio, la interpretación del cuadro, ya que se trataba de una interpretación muy simple para la complejidad del cuadro. Además en los 3Ds he intentando mostrar el espacio interior del artefacto. Esto es todo.


Mar

La trucha y el torrente

Publico un texto del arquitecto finlandés Alvar Aalto que me parece que puede tener relación con la asignatura. Destacaría como idea principal el vínculo entre arquitectura y arte abstracto, cómo de algo abstracto puede surgir una idea arquitectónica, ejercicio que estamos realizando con el artefacto, el vídeo... Este es el texto:

La trucha y el torrente

Alvar Aalto, 1947

Por ser yo mismo un artista en activo, me resulta difícil escribir con naturalidad sobre las cuestiones artísticas, como lo haría un crítico o un teórico completamente externo a la profesión. Ante las creaciones de su tiempo y ante sus colegas, el hombre de oficio tampoco tiene la objetividad de un historiador del arte. Las reflexiones que siguen girarán, pues, sobre todo, en torno a mi propio trabajo.

La cuestión del vínculo entre la arquitectura y las artes liberales nunca ha dejado de estar a la orden del día. Casi siempre en forma de deseo: el de añadir a la arquitectura más escultura y pintura. Hasta se ha llegado a formular diversas propuesta en aras a coordinar estas “tres artes”…incluida, tal vez, la propuesta de reunir algo así como un “congreso de curas y médicos”.

Con mucha frecuencia, la reivindicación se ha formulado así: “¡Tendría que haber más pintura monumental en los edificios públicos!”. Lo que es curioso es que este tipo de experiencia apremiante sólo rara vez emana de artistas importantes; en la mayoría de los casos, provienen de sectores de opinión más amplio; en el mejor de los casos, se trata de iniciativas emprendidas por asociaciones artísticas o similares.

No me opongo de ninguna manera a estos deseos, ni mucho menos, El país por el que siento más atracción es Italia, tierra por excelencia de la unidad de las Bellas Artes. La noticia de la destrucción de la pequeña capilla de Mantegna en la Chiesa degli Eremitani me causó un dolor personal. Creo, sin embargo, que la cuestión de esta unidad debe plantearse a un nivel mucho más profundo. Un enfoque cuantitativo de las tres disciplinas no lleva de ningún modo al núcleo del problema.

Cuando Ernesto Rogers me pregunta sobre el vínculo entre la arquitectura y el arte abstracto (el “arte concreto”), tengo la sensación de que, por este camino, se debe poder llegar más lejos, acercarse más al punto profundo en el que se establece esta relación. En primer lugar, las formas artísticas abstractas han dado a la arquitectura de nuestro tiempo impulsos, indirectos ciertamente, pero innegables. Por su parte, la arquitectura ha aportado materiales al arte abstracto. Arquitectura y arte abstracto se han influenciado recíprocamente. Henos pues aquí: también en nuestra época las artes tienen raíces comunes y esta constatación es de gran alcance.

Personalmente, cuando tengo que resolver un problema arquitectónico, casi siempre encuentro un obstáculo difícil de superar, una especie de “valor de las tres de la madrugada”. Ello obedece creo yo, al agobio lamentable y complejo que resulta del hecho de que la proyectación arquitectónica opera con infinidad de elementos contradictorios. Exigencias sociales, humanitarias, económicas y técnicas que se añaden a los problemas sicológicos; afectan al individuo y al grupo; influyen en los choques y en los movimientos tanto de masas como de individuos; y forman con ello una maraña imposible de desenredar por medios simplemente racionales o mecánicos. El inmenso número de necesidades y de problemas se convierten en un escollo que la idea arquitectónica de base apenas puede superar. Entonces procedo - a veces de manera completamente instintiva - de la manera siguiente. Después de que la idea de mi tarea y sus innumerables imperativos han quedado bien grabados en mi subconsciente, olvido durante un tiempo la marea de problemas. Paso a un método de trabajo que se parece mucho al del arte abstracto. Dejándome llevar únicamente por el instinto, dibujo, no algunas síntesis arquitectónicas, sino a veces composiciones francamente infantiles, haciendo así que poco a poco, a partir de una base abstracta, se desprenda una idea maestra, una especie de idea general, gracias a la cual los numerosos problemas parciales contradictorios podrán ser armonizados.

Cuando proyectaba la biblioteca municipal de Viipuri (tenía mucho tiempo - ¡cinco años! – a mi disposición), pasé largos períodos ejercitando la mano, a base de gran cantidad de bocetos ingenuos. A partir de la montañas fantásticas cuyas laderas eran iluminadas por soles inclinados diversamente, la idea del edificio fue desprendiéndose poco a poco. “La caja arquitectónica” de la biblioteca está constituida por espacios de lectura y préstamo situados a diferentes niveles y rellanos, mientras que el centro y el punto de control forman, por así decirlo, la cima de esos diverso niveles. Los bocetos infantiles tienen una relación meramente indirecta con el pensamiento con el pensamiento arquitectónico, pero al menos han permitido a la sección y al plano de planta cristalizar y soldarse, gracias a ellos se ha realizado la unidad de las estructuras horizontal y vertical.

 Si evoco estas experiencias personales, no es porque quiera extraer de ellas un método. Después de todo, creo que numerosos colegas míos han conocido experiencias parecidas frente a los problemas que se han visto obligados a afrontar. Estos ejemplos tampoco tienen nada que ver con las cualidades o los defectos del resultado final. Sólo pretenden mostrar cómo llegué a esta convicción instintiva de que el arte arquitectónico y las otras artes plásticas tienen un origen común, origen más o menos abstracto, pero basado no obstante en la experiencia y conocimientos acumulados en nuestro inconsciente.

En 1933, en nuestra exposición de Londres (exposición consagrada a Aino Aalto y a mí y organizada por The Architectural Review) presentamos algunas construcciones de madera, muchas de las cuales mostraban directamente formas que habíamos utilizado en nuestros muebles, mientras que otras no eran más que experimentos en torno a las formas y al tratamiento de la madera y no presentaban ningún valor práctico ni relación razonable alguna con una utilización concreta. Un crítico de arte del Times las calificó de “expresiones de arte abstracto”. Dijo que eran “non objetive art”, pero resultante de un proceso de creación invertido. Por ello, entendía que tenían su origen en un proceso inicial de carácter práctico, incluso si el resultado final acababa siendo non objetive art”, que tal vez serían susceptibles de encontrar algún día una utilización práctica. Tal vez tuviese razón; en aquél entonces no quise protestar, ni tampoco ahora. De todos modos, quisiera añadir una opinión personal, una opinión basada en este sentimiento: la arquitectura y sus detalles pertenecen en cierto modo a la biología. Tal vez se parecen a los grandes salmones o a las truchas que no nacen adultas en la corriente donde luego vivirán, ni siquiera nacen en el mar, sino a cientos de legues de su hábitat, donde los ríos no son más que riachuelos, pequeños torrentes saltarines entre los fiordos, bajo las primeras gotas de agua que caen de los glaciares, tan lejos de su medio como lo están los sentimientos e instintos del hombre de su trabajo cotidiano.

Y de igual modo que las huevas necesitan tiempo para convertirse en peces adultos, se necesita tiempo para todo lo que, en nuestra mente, se desarrolla y cristaliza. La arquitectura tiene aún más necesidad de tiempo que tos otra forma de creación. A título de ejemplo he podido mencionar un caso personal en el cual lo que tenía visos de ser un simple juego con las formas, suscitó, como consecuencia de un largo proceso, la aparición inesperada de una forma arquitectónica con una utilidad práctica.

¿Cómo se desarrolló el capitel jónico? Su punto de partida son las formas de madera y la torsión de sus fibras bajo el efecto de la presión. Pero el capitel de mármol no imita de manera naturalista el resultado de este proceso inicial. Sus formas afinadas, refinadas, contienen rasgos humanos que el modelo inicial ignoraba.

“La primera cualidad el arte abstracto es, en mi opinión, su carácter puramente humano.” Así se expresaba en sustancia, delante de mi tablero de dibujo, un pintor checo que me visitaba. “No puedo explicarlo simplemente con palabras, pero lo siento y lo deduzco de mi experiencia”, continuó diciendo.

El arte abstracto, en lo mejor que tiene, es el resultado de un proceso de cristalización. Tal vez sea por eso por lo que, a pesar de las ideas formales y del fono de tragedia humana que oculta y contiene, no puede ser percibido más que por el sentimiento. A su manera, es capaz de de sumergirnos directamente en una corriente de sentimientos humanos que la palabra escrita no ha sabido retener. Todo esto no incumbe naturalmente a ese eterno intríngulis que constituyen las formas de las artes plásticas vulgares y comerciales.

“Entweder fühle ich oder fühle ich nicht” (O lo siento, o no lo siento) me decía el verano pasado un médico suizo, hombre que había conocido la dura escuela de las tragedias humanas. Con ello quería expresar su actitud personal hacia el arte.

Me parece que ya hemos avanzado mucho en el camino hacia la síntesis de las artes, su unidad, creo percibirla en el tejido que desde el origen, in statu nascendi, al menos superficialmente, las reúne. El hecho de que todo de que todo indique que nos encontramos en la fase inicial de este proceso, no disminuye por ello su valor. En la evolución de la cultura, todos los períodos, desde el punto de vista artístico, tienen un valor igual Desde un punto de vista humano, no podemos colocar el arte arcaico por debajo de la Acrópolis. Giotto como pintor y como arquitecto, no era inferior a sus colegas más tardíos. 

Viernes 25

Al día siguiente dedicamos la primera parte de la clase dibujar, continuando con los dibujos de Giacometti. La segunda parte la dedicaríamos a comentar los vídeos.

El proceso fue el mismo que habíamos seguido en la clase anterior, por tanto no me extenderé mucho.

El primer cuadro a realizar fue el siguiente:

Podemos distinguir una señora en un sillón y varios elementos, como una mesa con una serie de platos y vasos, un caballete y unas estanterías por detrás.

Estos fueron mis resultados:

Después dibujamos a nuestro compañero. Este es mi resultado:

Mi fallo en estos dibujos es que intento reproducir demasiado la realidad, en vez de fijarme en el ambiente, en las formas, me centro mucho en los detalles. Intentaré corregir este fallo en los próximos dibujos.

La siguiente parte de la clase la dedicamos a comentar los videos. En general, se notaba el esfuerzo realizado, pero había fallos. En primer lugar, simplificábamos demasiado el proceso que seguíamos para hacer la maqueta, y   además, los 3Ds que habíamos hecho estaban visto solamente desde fuera. No penetrábamos dentro del espacio. 

Esto fue todo.

Mar

Jueves 24 de noviembre

En nuestra siguiente clase continuamos dibujando con pentel, sobre papel blanco formato A2. Se trataba de "reproducir" (sin copiar, basándose en el proceso) varias obras de Giacometti. 

En primer lugar, tuvimos que dibujar basándonos en esta obra:

Podemos apreciar una señora, alrededor de la cual se encuentran una serie de personas. El proceso seguido es el siguiente: comencé dibujando la señora, figura que considero más importante, y continuando con la misma línea, seguí dibujando los personajes situados alrededor. Éste fue mi resultado:

El siguiente cuadro sobre el que trabajamos es éste:

Giacometti, se había basado a su vez en este cuadro:

Una vez distinguidos los elementos principales comencé a dibujar, el resultado fue:

Por último, trabajamos sobre un retrato, también de Giacometti, en el que tenían especial importancia los ojos. Este es el cuadro sobre el cual trabajamos:

Este es mi dibujo:

El resultado de este ejercicio fue bastante malo. En primer lugar, me centré demasiado en la cara (considerando la parte más importante) y me despreocupé por el resto, mientras que Giacometti se caracteriza por llevar a la vez tanto el personaje como el ambiente.

Para finalizar este último ejercicio dibujamos a un compañero. Mi resultado es bastante malo, por las razones que he comentado en el dibujo anterior. Este es mi dibujo:

Esto fue todo por hoy, espero que os haya gustado.

Un saludo

Mar

Habitar un dibujo

http://www.youtube.com/watch?v=T1Df3Rmaeo8

Adjunto el vídeo del último trabajo.

Un saludo

Viernes 18 de noviembre

La clase siguiente comenzó con un esquema teórico del proceso creativo que podemos resumir como:

VIDA COTIDIANA  -->  MUNDO DEL CRÍTICO --> MUNDO DE LA CREACIÓN --> VIDA COTIDIANA

La vida cotidiana es el mundo de la certidumbre. Este mundo lo abandonamos mediante una serie de factores que surgen cuando las cosas dejan de funcionar como pueden ser la sorpresa, la rabia, la frustración... El siguiente estadio que alcanzamos es el mundo del crítico. El siguiente estadio es el mundo de la creación en el que tanteamos. En el mundo de la creación lo que hacemos es desdibujar (algo que ya existe) para reedibujarlo. Finalmente todos los objetos de partida vuelven otra vez a la vida cotidiana pero mejorados. Ante esto una aclaración : la única energía que pone en marcha el proceso de la creación es la NECESIDAD, es decir, solo cuando las cosas no funcionan bien decidimos crear otras.

Con todo esto llegamos a la conclusión de que nosotros en nuestro ejercicio no partíamos del mundo de la vida cotidiana, ya que partíamos de un cuadro (y los cuadros no tienen uso) que está en un mundo paralelo. Las obras de arte están en el borde de este mundo cotidiano, son el sinsentido de este mundo.

Por tanto no podemos seguir el proceso habitual de creación. Partimos de un cuadro, que es una imagen fantasmática, es decir, una imagen abierta. Hemos dado un salto de las dos dimensiones a las tres dimensiones. Pero aún no hemos acabado, ya que no hemos cerrado el sistema, es decir, no hemos llegado al mundo cotidiano.

El fin del ejercicio será darle a nuestro artefacto carácter arquitectónico, mediante planos horizontales donde se pueda desarrollar la actividad humana.

Con esto finalizaba la explicación del trabajo a realizar la semana siguiente, un vídeo.

A continuación, los profesores expusieron el enunciado de hoy: tendríamos que realizar dibujos de apunte, en formato A1 con pentel. Crearíamos una madeja de líneas sobre un papel opaco que luego trasladaríamos(las más importantes) a un papel de croquis. El modelo a elegir sería cualquiera que encontráramos en la clase. Este fue mi resultado: